Solisten: Amabile Brass

Musikalische Leitung:
Jens Weismantel

Das Programm des Konzertes widmet sich der Geschichte Frankreichs und der Musik bedeutender französischer Komponisten.
Mit Maxine Aulio wird eine französische Komponistin zwei eigene Werke als Gastdirigentin interpretieren.

Jacques Ibert, George Auric, Darius Milhaud, Albert Roussel, Arthur Honegger Charles Koechlin und Daniel Lazarus komponierten die Musik zu Romain Rollands Heldenepos «14. Jullliet», einem Bühnenstück, welches am 14. Juli 1936 in Paris uraufgeführt wurde. Dem französich-schweizerischen Komponisten Arthur Honegger fiel die Aufgabe zu, die Musik zum Sturm auf die Bastille zu schreiben: „Marche sur la Bastille“. Die Neuorchestration dieses Marsches von Felix Hauswirth entstand in enger Anlehnung an das Original.

Claude Debussy komponierte seine 24 Préludes für Klavier zwischen 1909 und 1913. Er betrachtete seine „Préludes“ als eigenständige Stücke, die getrennt voneinander gespielt werden konnten, und nicht notwendigerweise komplett und hintereinander. In der Originalausgabe der Werke, wird erst am Ende jedes Stückes, also nach der Aufführung, der dazugehörige Titel genannt. Das ermöglicht es dem Aufführenden die Musik ohne jeglichen Einfluss der malerischen Titel, die der Komponisten wählte, zu gestalten. Karel Deseure instrumentierte fünf dieser Préludes für Sinfonisches Blasorchester. Er nutzt dabei den Klangfarbenreinreichtum dieser Besetzung für die impressionistischen Klangbilder der „Cinq Preludes“.

Die „Suite Française“ von Darius Milhaud ist ein bedeutendes Werk, das während des Exils des Komponisten in Amerika während des Zweiten Weltkriegs entstand. Diese fünfsätzige Suite ist nicht nur eine Hommage an Milhauds Heimatland Frankreich, sondern auch eine musikalische Darstellung von fünf verschiedenen Landschaften, die im Krieg entscheidende Bedeutung hatten.

Die Komposition „Tombeau de Vercingétorix“ von Maxine Aulio ist ein bemerkenswertes Beispiel für die künstlerische Auseinandersetzung mit der Figur Vercingetorix. Tombeau bezeichnet ein Werk, das dem Gedenken an eine verstorbene Person gewidmet ist.

Die Komponistin nutzt die reiche Klangpalette eines Blasorchesters, um die vielschichtige Geschichte Vercingetorix‘ musikalisch zu interpretieren. Es ist eine musikalische Form der Hommage, an den großen Widersacher Julius Cäsars, dessen geeinte Gallier letztendlich 52 vor Christus von den Römern besiegt wurde.

Die musikalische Struktur von „Les Trois Mousquetaires“ für Tubaquartett und Blasorchester konzentriert sich auf besondere Charakterzüge von Personen und nicht auf die Handlung. Maxine Aulio richtete ihr Hauptaugenmerk auf D’Artagnan, den sensiblen, romantischen und perfekten Gentleman, der sich leicht von Frauen bezaubern lässt, wie zum Beispiel von der liebreizenden Constance Bonacieux und der perfiden Lady de Winter, deren betörende Schönheit ihn verführt.

Der erste Satz – D’Artagnan – hält sich eng an den Charakter des jungen Landadligen aus der Gascogne, der sich unter allen Umständen als heroisch und enthusiastisch erweist. Der zweite Satz mit dem Titel Constance Bonacieux ist romantisch, zart und leidenschaftlich. Der dritte und letzte Satz ist so doppelzüngig wie die bezaubernde Femme fatale Milady de Winter.

Im Konzertprojekt „Save the Sea“ arbeitet die Bläserphilharmonie Rhein-Main erstmals mit einem Fotografen zusammen. Der in Gelnhausen lebende Bernd Schreiber bereiste bereits viele Regionen der Erde, um die faszinierende Unterwasserwelt der Ozeane zu fotografieren. Entstanden ist eine umfassende Sammlung an Bilderserien von hoher künstlerischer Qualität. Aber auch die Veränderungen durch den menschlichen Einfluss sind auf Schreibers Bildern sichtbar.

Jens Weismantel, der künstlerische Leiter der Bläserphilharmonie Rhein-Main, programmiert zwei Originalwerke der sinfonischen Blasmusik, die direkt zu dieser Thematik passen. Der ungarische Komponist Frigyes Hidas schuf mit seiner Symphony „Save the Sea“ ein musikalisches Tongemälde, welches mit spätromantischen Klängen die Schönheit der Ozeane in fünf Sätzen beschreibt.

Quasi als Gegenpart dazu steht „Time for Outrage!“ des Luxemburgers Marco Pütz. Frei übersetzt mit „Empört euch!“ versteht Pütz das dreisätzige Werk als persönlichen Missmut gegenüber den aktuellen Krisen der Welt. Mit „Aurora Awakes“ malt John Mackey (USA) ein Naturbild voller Schönheit, während das Fusion-Konzertwerk „Concertango“ für Altsaxophon (Solist: Stefan Bien), Jazztrio und sinfonisches Blasorchester im Konzertprogramm für die Urbanisierung und Globalisierung unseres Planeten steht.

Das Konzertprogramm beleuchtet auf jeweils sehr persönliche und dadurch unterschiedliche Art und Weise die Beschäftigung bedeutender Komponisten der Sinfonischen Blasmusik mit spirituellen Fragen um das Jenseits und das Sein nach dem irdischen Leben. In jedem Werk erklingen unterschiedliche vokale Besetzungen.

David Maslanka verwendet als musikalischen Ausgangspunkt in „Liberation“ (2010) mit einem Leben nach dem Tod drei gregorianische Choräle, welche von einem Männerchor gesungen werden.  Die Quelle ist ein responsorialer Gesang, der seinen Ursprung in der Feier der Matutin (christliches Nachtgebet) hat. Im Gegensatz zu dieser Feier der Geburt und des Optimismus ist der verwendete Text „Libera Me“ einer, der ernsthaft über den Tod und die Ewigkeit des Jenseits nachdenkt.  Der letzte Abschnitt des Werks trauert, aber mit einem Gefühl der Ruhe. Die Instrumentation hier ist kammermusikalisch auf zwei Quartette reduziert ist (das erste: Flöte, Altflöte, Klarinette und Bassklarinette; das zweite: Altsaxophon, Kontrabass, Klavier und Vibraphon). Das Ende zeigt wahre Hoffnung, mit kurzen Erinnerungen an die frühere Vitalität, die als nostalgische Erinnerung an die Verstorbenen dienen.

Das Werk „Angels in the Architecture“ von Frank Ticheli entfaltet sich als dramatischer Konflikt zwischen den beiden Extremen der menschlichen Existenz – dem Göttlichen und dem Bösen. Es beginnt mit einer einzelnen Stimme (Mezzosopran), die das Shaker-Lied „Ich bin ein Engel des Lichts“aus dem 19. Jahrhundert singt:

Dieser „Engel“ – dargestellt durch die Sängerin – umrahmt das Werk, umgibt es mit einer schützenden Lichtmauer und etabliert das Göttliche. Andere Darstellungen des Lichts – gespielt von Instrumenten statt gesungen – umfassen ein traditionelles hebräisches Friedenslied („Hevenu Shalom Aleicham“) und den bekannten Genfer Psalter aus dem 16. Jahrhundert, „Old Hundredth“. Diese drei entlehnten Lieder, sollen die universellen menschlichen Ideale von Frieden, Hoffnung und Liebe repräsentieren. Im Gegensatz dazu erscheint turbulente, schnelle Musik als Symbol für Dunkelheit, Tod und spirituellen Zweifel. Zweimal während des musikalischen Dramas schleichen sich diese Schatten fast unbemerkt ein, verdunkeln langsam und schließlich löschen sie das Licht vollständig aus. Die Dunkelheit herrscht lange Zeit vor, aber das Licht kehrt immer zurück, unvergänglich, stärker als zuvor.

Das Hauptwerk „…bis ins Unendliche…“ von Rolf Rudin ist für bis zu achtstimmigem Frauenchor und großes, sinfonisches Blasorchester geschrieben. Die intensive Auseinandersetzung Rudins mit dem Schicksal eines seiner künstlerischen Vorbilder Vincent van Gogh führte zu diesem viersätzigen Werk. „Vincents Einstellungen zu diversen Phänomenen wie Liebe, Religion und Tod und vieles mehr“ (Rudin, Rolf) bilden die Inspirationsquelle zu der Komposition. Rudin weiter: „So trifft mich Vincent immer tief in meiner Seele und gibt mir Zuversicht und Inspiration für dieses Stück, für mein Leben und für meine Arbeit. Was kann es Besseres geben? – So leben wir weiter und treffen uns möglicherweise – hoffentlich! – IM UNENDLICHEN…